La Historia del Arte

desde la Perspectiva de

La Talla de la Madera

La Historia del Arte, en si es el estudio del arte en todas sus manifestaciones y corrientes artísticas, que, por supuesto incluye la talla de la madera, por lo tanto, aquí en este portal, trataremos de estudiar toda esa historia de una manera más o menos resumida, porque de otra forma sería muy extensa, pero que no podíamos prescindir de examinar y/o estudiar tan importante tema.

Sucederá,... lo mismo que ha sucedido con otras secciones en el portal NOVEDADES, que habrán personas que piensen que una cosa no tiene nada que ver con la otra, y a nosotros esas opiniones negativas siempre nos han tenido sin cuidado. Nosotros vamos a continuar haciendo lo que creemos propio,... y luego la historia juzgará a unos y otros.

Definitivamente, pues no deseamos realmente que luego que pasen 50, 100 o más años el único recuerdo que quede de nosotros los artesanos talladores, TODOS, en la historia del desarrollo de la talla de la madera en Puerto Rico sean algunas piezas recojidas en colecciones privadas u otras, que se exhiban de vez en cuando para inflarle los egos a los dueños de las colecciones y/o reseñadas en algún que otro libro sobre la cultura general puertorriqueña,… si acaso.

Nosotros, TODOS, sin menosprecio a nuestras raices ni a nuestro pasado, que al contrario distinguimos, apreciamos y recordamos, somos mucho más que eso. Entonces, con nuestras iniciativas vamos a dejar una huella indeleble porque estamos estableciendo y forjando cosas nuevas que otros han soslayado.

Los artesanos no somos menos que nadie y hemos decidido tomar control de todo lo que se refiere a nuestro arte, y dentro de ese gran marco tenemos que profesionalizarnos a través del estudio de todo lo que se relaciona, directa o indirectamente, con nuestro renglón.

Pues bién, después de esta descarga inicial, y con ese mismo espíritu, aunque podríamos comenzar un poco más atrás, hemos decidido como punto de partida, para este corto recorrido, lo que actualmente todos conocen como arte clásico, y que tiene que ver primero con lo ocurrido con Grecia y luego con lo que sucedió en Roma.

La escultura en Grecia divide en tres períodos o estilos:

- Estilo Arcaico,
- Epoca Clásica Y
- Epoca Helenística.

El Estilo Arcaico ocurre, en Grecia, a finales del siglo VII antes de Jesucrito y se extiende hasta comienzos del siglo V, antes de Jesucristo; o sea, entre 500 y 700 años antes de Jesucristo.

Como características generales se presenta el hombre como eje del arte; esculturas de tamaño natural, en su mayoría con tendencias en algunas hacia lo colosal; se representa el desnudo masculino como exaltación de la belleza física, mientras que no aparece el desnudo femenino; la escultura se caracteriza por su frontalidad (figuras rígidas, mirando de frente, geométricas); hieratismo (predomina la majestuosidad, la rigidez); estatismo (formas cerradas, pero con una tendencia progresiva hacia el realismo).

Surgen “Los Kuroi” que eran representaciones de jóvenes atletas vencedores en los juegos. Se emplea el marmol, son estatuas de grandes dimensiones, con ojos y cabellos policromados. El frontalismo exige una visión de frente por el espectador y, como prueba del estatismo, sólo se aprecia la pierna izquierda hacia adelante para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación de movimiento.

Como heriatismo se refleja en las formas compactas y rígidas con los brazos pegados al cuerpo y la mirada al frente.

La representación anatómica era precaria y ruda con el tórax excesivamente abombado y de gran anchura, contrastando con su abdomen muy reducido lo que resulta con una apariencia desproporcionada; la representación de la rodilla se solventa dándole forma de trapecio invertido y el perfil anterior de la pierna representado por una arista viva.

Los jóvenes se representaban con cabellera larga (típica de jóvenes griegos) que cae sobre la espalda, el cabello tiene forma geométrica y rizado en la frente, se aprecia una cinta en la cabeza con la que se coronaba a los atletas vencedores. Presentaban ojos almendrados y la llamada “sonrisa arcaica”, que se logra arqueando levemente los labios hacia arriba, con los que se intenta transmitir expresividad y darle cierta vida.

El escultor arcaico ha intentado representar el cuerpo humano tal como lo ve en la realidad, lo que supone un cierto avance hacia el naturalismo, con respeto al periodo anterior. La escultura logra transmitirnos la sensación de fortaleza y plenitud física del joven triunfador, Los Korai femenismo poseían las características anteriores pero las mujeres estaban vestidas.

La Epoca Clásica Griega transurre entre 400 y 500 años antes de Jesucristo. Las características generales presentan la belleza física como algo ideal, como un estudio matemático de las proporciones donde el autor intenta reproducir la naturaleza como la ve pero corrigiéndola según las normas del pensamiento; temas del mundo mítico de los dioses y héroes; toda la escultura y relieve estaban policromados y las partes de carne recibían una capa de cera; esta apariencia que tuviera no se puede apreciar ya que estamos habituados a contemplar el mármol sin policromía y la mayor parte de las obras que nos han llegado son copias romanas de los originales griegos.

Examinando la evolución de las esculturas clásicas, los principales escultores fueron: Mirón, Policleto y Fidias.

En el Discólobo de Mirón se representa un atleta en el instante fugaz que precede el lanzamiento del disco. Todo el cuerpo está en movimiento.

Se nota que la representación anatómica ha progresado respecto de la época arcaica (como los dedos del pie agarrándose al suelo y la tensión muscular en el hombro y las piernas). Desaparece la sonrisa arcaica y los ojos almendrados, ha ganado el realismo al igual que la representación del cabello, pero resulta inexpresivo, pues no refleja en él el momento de máximo esfuerzo que está atravesando el atleta.

El Doríforo de Policleto representa un joven que porta una lanza, y plasma las proporciones ideales del cuerpo humano, por lo que se conoce como “el canon”.

En el Dorífero de Policleto la cabeza debe ser 1/7 parte del cuerpo. El rostro dividido en tres partes iguales. Se logra el equilibrio y el ritmo (la pierna derecha sostiene el peso del cuerpo y está firmemente apoyada en el suelo, comprimiéndose en la cadera; la pierna izquierda, en cambio, no soporta la carga y está retrasada tocando el suelo sólo con la parte anterior del pie; se observa ritmo en los brazos; el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo mientras que el izquierdo se dobla para sostener la lanza), y este ritmo cruzado se llama “contraposto”.

En esta obra, además, la cabeza ya no tiene posición frontal, se vuelve hacia la pierna de apoyo, inclinándose ligeramente hacia abajo. Ya no posee el estatismo de la época arcaica.

Este “canon” no se refleja exactamente en la mayoría de las tallas puertorriqueñas porque, por lo general, la proporción de las cabeza con relación al cuerpo en nuestras tallas es bastante mayor.

El escultor Fidias es la figura cumbre de este período del clasicismo. Sus obras son una fusión en pleno equilibrio de idealismo y el naturalismo del arte griego. Sus obras se dividen en dos grupos, las de bulto redondo (en las que representó varios dioses) y la decoración del Parthenón.

Abajo hay una ilustración de la estatua colosal (compare el tamaño de las personas viendo la estatua), en oro y marfil, de Zeus.

En las primeras jornadas estuvimos examinando el Arte Griego y ahora queremos dedicarle algo de tiempo al Arte Románico, que contratrio a lo que podemos suponer, no es el arte que se enmarca solamente en Roma sino que se inicia en Roma y se convierte en un movimiento artístico, más bién internacional, que manifiesta unas características propias pero que se expande por toda la Europa occidental: Italia, España, Francia, Alemania e Inglaterra.

La escultura románica está ligada a la Iglesia y sirve para crear una determinada atmósfera. Cuando en piedra, está supeditada a la arquitectura y se centra en capiteles y fachadas.

Los follajes, animales e incluso la figura humana tienen que adaptarse a las exigencias arquitectónicas. Las figuras se pliegan y se tuercen, se estiran y se reducen según el espacio que tienen que ocupar.

Cuando en madera pilocromada, los temas preferidos de los escultores románicos son los Crucifijos y las Vírgenes con Niño.

El Neoplatonismo defendido por San Agustín generó, en gran parte de la época, la certeza de que el mundo natural es sólo una apariencia intermedia tras lo que se oculta la verdadera realidad transcendental de Dios.

En este contexto, el arte debe rechazar la representación de la Naturaleza tal como se percibe por los sentidos y se exige extraer las verdades ocultas y el orden lógico que se esconden tras las formas físicas.

De esta manera, las formas que adopta el románico se basan en una idea del arte desarrollado por y para la inteligencia humana, no para sus sentidos. No pretende, como otros estilos anteriores y posteriores, copiar fielmente la naturaleza abstracta y racional.

En el campo de la arquitectura, esto se traduce en el exclusivo uso de geometría euclidiana, es decir, de las figuras geométricas más simples. Es una arquitectura de “escuadra y compás” donde cuadrados, círculos, cubos y cilindros, se disponen con un sentido estricto del orden y la simetría. La “Ley del Marco” anunciada por Focillón reflejan este hecho con pleno acierto.

La Ley del Marco obliga al escultor románico a adaptar sus figuras al marco arquitectónico que las soporta. Esta ley es fácilmente evidenciable en las esculturas de los tímpanos, ya que debido a su forma circular obliga a los personajes a adoptar diferentes alturas o a inclinar y agachar sus cuerpos para no interrumpir la armonía del trazado semicircular.

En la escultura románica se adoptan las formas y las proporciones más adecuadas para ajustarse a un orden geométrico. Por ello, en la escultura románica de portadas, cabeceras y fachadas encontramos personajes o animales achaparrados o de altura excesiva, y frecuentemente con perspectivas absurdas. Nada de esto invalida su belleza, si nos despojarnos de nuestra manera de pensar positivista.

En la iconografía cristiana, uno de los principios que rigen la escultura románica es la de su funcionalidad para la configuración y transmisión de ideas mediante meticulosos programas iconográficos.

Dirigidos a un público analfabeto, los programas iconográficos de iglesias y catedrales se convertían en verdaderas “Biblias de piedra”.

En el comienzo del románico prevalecen las escenas del Antiguo Testamento pero rápidamente adquieren especial fuerza las historias del Nuevo Testamento como las escenas del ciclo de la Natividad (la Anunciación, Nacimiento, Epifanía…). Especial importancia adquiere sobre todo en los tímpanos de las portadas, el Juicio Final con Cristo en Majestad bajando desde los Cielos en la mandoria mística rodeado porlos cuatro evangelistas en forma de Tetramorfos y en ocasiones el peso de las almas.

Posteriormente, la figura de María compite con la anterior y es frecuente que aparezca la Virgen en Majestad con el Niño sentado en sus rodillas bendiciendo.

Nos parece necesario, al comienzo de esta 5ta parte, ofrecer alguna definición de lo que en en el arte románico y la liturgia se conoce como el “bestiario”, que aunque, en el pasado hemos hecho referencia a el, pues no recuerdo haberles dicho que el bestiario es una colección de fábulas sobre animales reales o quiméricos.

Procedente del mundo grecorromano, bizantino y persa, el bestiario fantástico se apodera del arte románico, no sin resistencias y críticas, por pensadores de la época. Pero el arte románico sacraliza esta estética pagana convirtiendo a los animales, tanto reales como imaginarios, en portadores de virtudes o perversiones, por lo que su aparición en capiteles, canecillos, tímpanos, etc. es reinventada y usada con sentido de enseñanza y advertencia.

Quizás es el bestiario fantástico el motivo escultórico que más interés genera entre nosotros y el que mayor efecto de intimidación provocaría en el hombre medieval.

Creado por combinación de partes de animales diferentes, su estampa, en ocasiones atroz, se reforzaba mediante lucha con hombres indefensos, con el objeto de conmover para renegar del pecado.

Aunque cualquier símbolo tiene dualidad de significados, incluso completamente opuestos, el arte románico usó ciertos animales con predilección para manifestar el bien y otros como formas del mal y del diablo.

Entre los primeros se encuentran fundamentalmente las aves en general, a menudo por comparación con el alma, ya que pueden ascender y alejarse de lo terrenal en busca del Cielo, y en ocasiones se les representa picando sus patas para poder despegar de la tierra y poder volar hacia el cielo.

También el león o el águila por su fuerza y nobleza suelen representar valores positivos, inclusive al propio Cristo.

Un ave especialmente representada como ejemplo del bien es la cigüeña, por su carácter de ave de buen agüero, además de ser monógama y comer serpientes.

En la nómina de los animales frecuentemente relacionados con el mal solemos encontrar al mono, como caricatura grotesca del hombre, la serpiente, símbolo por antonomasia del pecado y del demonio, la liebre y el conejo asociados con la lujuria por su fertilidad, el jabalí y el cerdo por lo lujuriosos, sucios y perezosos, la cabra, el macho cabrío, etc.

Dentro del bestiario existen animales usados con frecuencia con carácter positivo, como los grifos (cabeza de y alas de águila y cuerpo de león), que dada la combinación de animales nobles, se usan como guardianes de las entradas (puertas y ventanas) de las iglesias.

Sin embargo, la lista de animales maléficos es mucha más ámplia. Los dragones son los más genuinos enemigos de Dios y el hombre. Su representación en el arte románico se aleja de las formas que las leyendas nórdicas de siglos posteriores han hecho llegar hasta nuestros días. El dragón románico es una ave con cabeza perruna de grandes ojos y cuencas profundas, con orejas puntiagudas y alargadas fauces amenazantes, cola de serpiente y pezuñas.

Otros animales maléficos son la arpía (cuerpo de rapaz, busto femenino y con frecuencia cola de serpiente) y la sirena (cuerpo femenino y cola o colas de pez), ambas representando la seducción y atrapamiento de los placeres carnales.

Los basiliscos (cabeza monstruosa con cresta de gallo con cuerpo y cola de serpiente) son los encargados de transportar las almas de los condenados al infierno. Los centauros (cabeza y tronco humanos y resto de caballo o equino) simbolizan la brutalidad y lujuria y con frecuencia se les representa con arco y flecha disprando al sirenas.

Junto a los motivos estrictamente religiosos, el arte románico, sobre todo a medida que evoluciona y se arraiga en el ámbito rural alejado de las principales rutas de peregrinación, incorpora motivos de tipo costumbrista o anecdótico.

A menudo se pueden reconocer diferentes cargos eclesiásticos y civiles. Esta tendencia llega hasta su máximo extremo al aparecer en innumerables iglesias (Cantabria es conocida por ello, pero sin duda, su dispersión es completa en el panorama del arte románico español) motivos explicitamente eróticos.

No es fácil hacer, dentro de los diversos aspectos del arte, un compedio de la historia de la escultura románica, especialmente la escultura románica española, ya que cada investigador que se ha enfrentado al tema ha interpretado y defendido diferentes teorías. Este artículo es, entonces, solamente un fragmento pequeño de lo que comprende el arte románico.

El arte románico se extendió por el mundo hasta el siglo XII pero el Imperio Romano, que es otra cosa, se dividió en el año 395 tras la muerte del emperador Teodosio, que legó a cada uno de sus dos hijos una de las partes: a Acadio, la parte oriental, con capital en Constantinopla, y a Honorio, la parte occidental, coin capital en Rávena.

Con la caída en el 476 del Imperio Romano de Occidente, este territorio occidental se dividió en centros independientes de poder,… los llamados reinos germánicos, y en consecuencia el Imperio de Oriente se convirtió en el único sucesor legítimo del Imperio Romano y principal potencia del Mediterraneo, tanto en el plano político como militar, económico y cultural.

A ese Imperio de Oriente, sucesor del Romano, se le va a denominar Imperio Bizantino porque Constantinopla, su capital, era una antigua colonia griega llamada Bizancio.

Para entender esto bien,… Constantino fue el que creó sobre esta colonia (es: Bizancio) una nueva ciudad a la dió su nombre: Constantinopla, que se convirtió en la capital del Imperio de Oriente, que por extensión de la palabra Bizancio fue denominado Imperio Bizantino.

El Imperio Bizantino era el centro del mundo conocido, pero conflictos teológicos provocaron grandes divisiones en el Imperio, que prácticamente se desintegró en el año 518 cuando Justino I accedió al trono imperial y especialmente con su sucedor, Justiniano, que accede al trono en el 527, momento en el que comienza la época del esplendor político y cultural del Imperio. En este momento los territorios del antiguo Imperio Romano estaban divididos en:

* Imperio Romano de Oriente,presidido por Justiniano,
* Reino de los Visigodos,
* Reino de los Francos,
* Reino de los Ostrogodos y
* Reino de los Vándalos.

Justiniano junto a su esposa Teodora, una acrtiz y prostituta de gran inteligencia, tanto que se convirtió junto a Justiniano en el gran poder del Imperio Bizantino.

El Arte Bizantino constituye uno de los episodios más grandiosos del arte universal. Se fundamenta en el arte griego y paleocristiano, con grandes influencias orientales (persa y musulmana).

Para los templos, se usa la planta centralizada o de cruz griega con grandes cúpulas y con rica decoración a base de mosaicos y pinturas murales, donde la representación de la figura humana, era frontal, solemne y hierática, generando una gran sensación de espiritualidad.

El arte bizantino se va a dividir en tres grandes etapas:

1- Arte protobizantino: 527-728, en el que aparece la querella iconoclasta. La época dorada de este arte coincide con la época de Justiniano. La querella iconoclasta se prolongó entre los años 726-843 y enfrentó a los iconoclastas contra los iconódulos y fue tan violenta que produjo una crisis artística acentuadísima, especialmente en el arte figurativo,

2- Primera Edad de Oro Bizantina: 913-1204, momento en que los cruzados destruyen Constantinopla y

3- Segunda Edad de Oro Bizantina: 1261-1453, cuando los turcos toman Constantinopla.</p><br><p>Los emperadores, y especialmente Justiniano, utilizaron la arquitectura como un instrumento político para impresionar a los pueblos, tanto del interior como del exterior del Imperio, por lo que la arquitectura normalmente era una muy costosa.

La pintura y los mosaicos bizantinos, mucho más que su escultura, han tenido una singular importancia en la historia de las formas de representación plástica, por cuanto que han servido de puente a los modelos cristianos orientales hacia Europa, así como a la transmisión de las formas clásicas cuando en Oriente había desaparecido por la acción de los pueblos bárbaros, y por útimo, el arte bizantino ha sido la fuente principal en la fijación de la iconografía occidental. El arte plástico escultorico supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorelieve a la obras de bulto redondo y el uso de materiales ricos, como el marfil, que proporcionaban pequeñas piezas, son los caracteres más destacados de la escultura bizantina de la primera etapa. Tras la sistemática destrucción del período iconoclasta hay una vuelta al culto de las imágenes, pero para no caer en la idolatría y por influjo de las nuevas corrientes islámicas desaparece la figura humana en las esculturas.

Las obras más destacadas son las labores ornamentales de los capiteles con motivos vegetales y animales. Pero las obras capitales de la escultura bizantina, sin duda, son las pequeñas obras, dípticos y cajas, talladas en marfil.

El siglo XII trae consigo importantes cambios en la mentalidad europea. Las doctrinas de Aristóteles, prohibidas en muchos casos, empiezan a penetrar en el mundo cultural de las universidades y con ellas se produce un acercamiento al mundo natural.

El Arte Gótico es fruto de esta evolución y vuelta al naturalismo.

Las fachadas ya no guardan un sentido tan estrictamente simétrico y la escultura “empieza a moverse”. El hieratismo desaparece y los personajes adoptan posturas cómodas en la piedra, sonríen y parecen desear la seducción estética gracias a sus gentiles gestos, sus cuidados vestidos y peinados cabellos.

Lo próximo que examinaremos es el arte gótico.

El Arte Gótico es un estilo artístico que se desarrolló en la Europa occidental desde el siglo XII hasta la implantación del Renacimiento. El término “gótico” fue utilizado por primera vez en el siglo XVI por el italiano Giorgio Vasari, gran historiador de arte, que quería definir el “oscuro” arte de la Edad Media de forma peyorativa, frente al glorioso pasado de la Antigüedad Clásica. Se sueña a partir de ese momento con el renacimiento del arte medieval, llenándose de nuevo contenido al término “gótico”, que empieza a distinguirse y separarse claramente del arte románico.

El arte gótico se ha definido durante mucho tiempo casi exclusivamente por la utilización del arco apuntado, al que suele llamarse ojival.

La catedral se va a llenar de luz, y es la luz física, no la figurada en pinturas y mosaicos, la que conforma el nuevo espacio gótico.

Podríamos llenar un libro de ilustraciones sobre las preciosas e impresionantes catedrales góticas a través de Europa pero vamos a concentrarnos un poco en las esculturas góticas.

Aunque el arte gótico sucede al arte románico, el hecho es que se produce un cambio brusco en la concepción de las formas, no sólo arquitectónicas sino escultóricas,… y en todo los órdenes. El hieratismo geométrico de la figura escultórica románica que induce una percepción atemporal y simbólica deja paso a un progresivo naturalismo.

Mediante el concepto naturalista de la escultura gótica se pretende representar el mundo visible tal y como es. Se representa la naturaleza, y por tanto desaparece el anhelo simbólico, que sólo por la arquitectura permanece en el arte gótico.

Se produce una humanización en los gestos y actitudes de los personajes.

En la escultura del gótico el personaje esculpido refleja las emociones y las vicisitudes de cualquier mortal. Surgen figuras “amables” de la Virgen en Majestad y Cristo como Maestro.

En la iconografía gótica se prefieren temas religiosos y se destacan los siguientes:

* Temas de la vida de Cristo, la Pasión, Cristo crucificado presentado con la corona de espinas y por primera vez con un único clavo en ambos pies que ya aparecen juntos.
* Temas marianos o escenas de la Virgen, como madre, bella e idealizada.
* Escenas de la vida de Santos, casi todos martirizados
* Animales fantásticos y la aparición de monstruos en las gárgolas.

La introducción del arte gótico francés a España es un hecho puntual y abrupto, exclusivamente ligado a la llegada de maestros frances contratados por la monarquía para acometer tres grandes catedrales; la de Burgos, la de León y la de Toledo.

Las obras que aquí le mostramos son la fachada de la Catedral de Burgos y algunasde sus muchas esculturas.

Mil años separaban a Italia de la caída del Imperio Romano. Demasiados años de espera para volver a ser, para hacer surgir el esplendor de la antigüedad clásica,... para renacer. Y una serie de circumstancias afortunadas se combinaron para producir uno de los movimientos más intensos y fructíferos de la historia del arte occidental: el renacimiento.

El ocaso de la Edad Media era evidente. El antiguo orden feudal fue reemplazado por la poderosa insurgencia de la burguesía. Se origina la era de los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. Las ciudades italianas se convirtieron en los centros económicos y artísticos más importantes de la época. El humanismo substituía las estructuras oscurantistas y el hombre era considerado la medida de todas las cosas.

La extraordinaria coincidencia de genio, energía,pensamiento y oportunidad hizo que en 1410 en Florencia, Italia, renaciera el clasicismo.

En oposición a los temas religiosos y casi místicos que durante siglos habían producido artistas de la Edad Media, los renacestistas dejaron en sus lienzos, frescos y esculturas los mejores ejemplos del triunfo del hombre. Leonardo da Vinci, Miguel Angel Buonarotti, Bottocelli y Rafael, entre otros, representan los ideales de la época renacentista.

Esta época se caracteriza por la representación del cuerpo humano con un tratamiento perfecto de la armonía. Se plasma el movimiento, intentando conseguir el equilibrio y la perfección.

Los materiales escultóricos de prefencia por los artístas son el mármol, la madera, la terracota y el bronce.

Las características más destacadas de la escultura renacentista son:

* Vuelta a las formas clásicas.
* Predominio del retrato y de los temas mitológicos, alegóricos y religiosos y el
* Estudio del desnudo y de la anatomía.

Este retrato, otra obra famosa de Leonardo da Vinci, de la Sra. Ginebra de Benci, con un convincente y emotivo rostro, se vendió hace muy poco por cinco (5) millones de dólares.

En cada una de estas épocas que hemos estado reseñando podríamos permanecer hasta llenar muchísimas páginas pero, podríamos decir que, nuestro interés principal es despertar el interés por el conocimiento más profundo de aquello de lo que somos parte,… como artístas y como talladores de la madera.

Luego de ese extraordinario despertar artístico producido por el renacimiento pasamos a una etapa de bastante conflictos que se ha denominado el “Manierismo”.

La revuelta protestante iniciada por Martín Lutero y la fuerza de la contrareforma del catolicismo, introdujeron nuevas fuerzas que zarandearon al hombre, y la respuesta artística del renacimiento ya no satisfacía el convulcionado mundo de la época.

La figura humana siguió siendo el tema principal, pero ahora se presentó en formas nuevas y extrañas, sus poses se volvieron complicadas, su altura aumentó desmesuradamente, los músculos fueron enfatizados.

El más típico de los manieristas fue el español Domenikos Theotocopoulos (1541-1614) llamado EL GRECO, por haber nacido en la isla griega de Creta.

Estos artístas no podían ser propiamente clasificados como renacentistas ni como barrocos, que es la próxima época que examinaremos, y entonces se acuñó el término Manierismo que abarca los años 1520-1600.

El Concilio de Trento, al establecer las reglas de la guerra santa que el catolicismo le declaró al protestantismo, generó un nuevo movimiento artístico que tenía la finalidad de combatir la herejía y atraer la gente a las iglesias, excitando sus sentidos e inflamando sus mentes y corazones con llamaradas de luz, color, formas y sonidos. El nuevo estilo, conocido como Arte Barroco, nació en Italia alrededor del 1600 y devolvió a Roma, por un corto plazo, la hegemonía del arte universal.

El término barroco ha sido utilizado en dos sentidos. En sentido restringido para hacer referencia al arte nacido en Italia a finales del siglo XVI y comienzos del XVII, y que durante todo ese siglo se propagaría por Europa, y en sentido amplio, para designar y caracterizar todos los aspectos pertenecientes a la civilización y a la cultura europea de la primera mitad del siglo XVII.

La primera característica del arte barroco es que se trata de arte creado por la renovación católica frente al protestantismo.

El Concilio de Trento justificó y alentó el culto a las imágenes para hacer frente y responder las ideas iconoclastas y a la sobria estética protestante.

A continuación le vamos a reproducir algunas de las extraordinarias obras escultóricas del Arte Barroco.

En lo que resta hasta la época actual se suceden varias etapas en el arte universal pero en lo que afecta más directamente a Puerto Rico, desde el Renacimiento, llegan los frailes Franciscanos y Dominicos a evangelizar y, para facilitar la tarea, aprenden ellos mismos a tallar la madera y a enseñarle a otros. Esa parte de la historia se ha cubierto en detalles en varias ocasiones y los dirigimos hacia la ponencia de Rafael (Pilo) Suárez ante la Academia Científica y de Cultura Iberoamericana, en esta misma sección de NOVEDADES.

En la Historia del Arte, después del Barroco viene el Rococó y la Revolución Francesa trajo consigo el Romanticismo.

En el 1746 nace el genio de Francisco Goya que con sus “Majas”, desnudas y vestidas, y su arte patriótico, luego de la invasión de los franceses a España, crea su propia época.

A eso le sigue el Realismo y, desde luego, los Impresionistas, como Monet, los Postimpresionistas, como Toulouse, el del Molino Rojo, y Van Gogh, el de la oreja. Luego el Cubismo de Picasso y, dejando de lado algunos otros, el Impresionismo Abstracto moderno.

Hemos llegado al final de este breve recuento histórico y espero que se hayan divertido tanto como nosotros.

Continuen visitando este portal, www.imagineriapopular.com, porque constantemente le adicionamos informaciones relacionadas y siempre nos vemos tentados a continuar con este mismo tema.

Finalmente, los exhortamos a compartir estas informaciones con amigos y familiares que estén interesados en la talla de la madera.